La poesía visual como temática ocurrente y, repetitivamente, encima, recurrente.
( Ad hoc, especialmente para intentar, si es posible, añadir algo a la opinión de César Reglero)
Lo ocurrente, per se, es ocurrente. Más o menos en ese polisémico –y tautológico- per se. A veces es poético y a veces es solamente ocurrente. En ocasiones, ni eso. Otra cosa es que pretenda hacérsenos pasar por poema visual todo ello. Incurro yo en eso. Me temo que no el último.
Más allá, observo con preocupación, la recurrencia temática. La pipa de Magritte, la letras del abecedario castellano, los corazones gráficos, los salvavidas (literal, solo)...
Incurro yo también. Me temo –asimismo- que no el último.
Ya creo haber aprendido -en buena medida- que todo acto creativo tiene raíces anteriores. Quizá no pueda ser de otra forma. Pero las raíces crecen y se adaptan. En ocasiones, generan nuevas especies, fruto de ello.
Acaso sea importante aprovechar esa posibilidad.
Bruno Jordán
Bruno Jordán es escritor, periodista, amén de otras muchas cosas (de la mayoría de ellas, incluídas las dos anteriores, solo pretende ser).
Decir que la obra original no existe es un poco fuerte como introducción, pero lo cierto es que todos somos deudores de nuestros antecesores y de nuestros coetáneos. Por esto motivo plantearse la originalidad absoluta de una producción es un tanto pretensioso. Antonio Orihuela hablaba de la “inteligencia colectiva” como un bien universal y libre que algunos pretenden privatizar, comercializar y hasta, hipotecar a cómodos plazos.
En definitiva esta es la base de esta propuesta de antología que fue realizada por un editor valiente (Francisco Peralto. Ediciones Corona del Sur) y que fue secundada por más de medio centenar de poetas visuales de reconocido prestigio en este ámbito.
El encargo consistió en hacer un planteamiento teórico sobre el tema y en apropiarme de los poemas visuales de estos poetas visuales que aceptaron el reto de que su obra fuera intervenida sin saber de qué obra se trataba ni de qué manera sería intervenida, de tal manera que la primera noticia apropiacionista sobre su obra la iban a encontrar ya con el libro editado.
La edición ha tenido muchas críticas, algunas positivas, otras negativas (las menos) y muchas desconcertadas (las más). La sensación general es que estamos indagando en un terreno que hasta la fecha se ha mantenido en el terreno de lo oculto y procurando pasar de puntillas. Esta edición, por el contrario, ha pretendido dejar claro que el apropiacionismo, realizado con afán constructivo, solo puede ser un bien que se traduce en la apertura de nuevos canales creativos y en aportaciones valiosas dentro del experimentalismo.
Así que ha fecha de hoy, marzo del 2010, el libro va siguiendo unos derroteros que, sobre todo, invitan al debate. Ha sido presentado en varios simposios internacionales de arte contemporáneo que, al mismo tiempo, han dado lugar a talleres experimentales sobre la materia. Mientras que las obras intervenidas, han motivado una muestra que se ha ido transformando y evolucionando con el paso del tiempo. En primer lugar fue presentado en la Feria de Arte Contemporáneo “Ebent” en Huesca, y de allí pasó a Uruguay donde fue expuesta en La Sala Unión Latina de Montevideo (Comisariada por Eduardo Acosta Bentos) y en la Escuela de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Maldonado(Comisariada por J.A.Italiano).
SOBRE APROPIACIONISMO, PUBLICIDAD Y LA NUEVA DIMENSIÓN DE LA POESIA VISUAL
El apropiacionismo es un campo en el que, todos aquellos que llevamos años inmersos en este complejo y ambiguo mundo del arte hemos realizado incursiones más o menos conscientes como parte necesaria e imprescindible de nuestra actividad. Pero, además de ello, debemos admitir que la carga cultural de nuestro trabajo cotidiano está continuamente preñada de herencias intelectivas que parten de nuestros ancestros más remotos y se proyectan irremediablemente hacia el futuro.
La obra compartida está muy arraigada entre los poetas visuales quienes no dudan en recrear la de otros autores cuando lo juzgan oportuno, Ya sea en forma de homenaje, admiración, sugerencia, estimulo, inspiración o metalenguaje. Tampoco dudan en recurrir a la prensa, al anuncio publicitario o a cualquiera de los elementos icónicos que pueblan el entorno donde habitamos. Los poetas visuales son grandes devoradores de todo lo que se mueve; persiguen encontrar un lenguaje universal y no cabe ninguna duda de que este objetivo solo se puede conseguir captando aquello que es común a todas las culturas y propio de cada comunidad.
También es importante resaltar el carácter lúdico del poeta que le permite recobrar ese niño que todos llevamos dentro; y parte de ese juego consiste en tomar del ingenio colectivo aquello que flota en el aire, introducirlo en el laboratorio alquímico de la mente de cada creativo y conseguir con ello que nuevas cargas energéticas vuelvan a expandirse cósmicamente traspasando fronteras, razas y barreras ideológicas.
Después de analizar el trabajo teórico de diversos especialistas pudimos llegar a diferentes conclusiones. La primera de ellas es que los poemas visuales son anteriores a la poesía visual, tal y como la entendemos hoy en día. Según argumentan, su origen es tan antiguo como el de todas las artes conocidas. Lo que sucede es que nunca como en los tiempos actuales, la imagen gráfica ha invadido de manera tan completa el campo visual del ciudadano de a pie, que se ha convertido en una realidad tan palpable y mediática que para la mayoría de las personas pasa desapercibida excepto para una clase muy especial como son los publicistas.
El mundo publicitario puesto al servicio de la gran industria sabe perfectamente que la percepción subliminal es un instrumento poderosísimo para llegar al inconsciente del posible consumidor de manera mucho más efectiva que si lo hiciera directamente a su consciente. Y es por ello que un porcentaje muy alto de publicistas se nutren de la poesía visual para elaborar sus mensajes.
Pero hay una diferencia fundamental en el uso que hacen unos y otros con respecto a esta disciplina: Mientras que los poetas visuales buscan la participación activa del espectador para que llegue a sus propias conclusiones, haciéndole partícipe activo y no un mero receptáculo del mensaje. Por el contrario, el publicista busca la pasividad del consumidor, o su participación unidireccional, para que de una manera difuminada llegue el mensaje a la esfera de la mente con el fin de que este le explosione con toda su potencialidad en su inconsciente.
Esta diferente actitud de hacer trabajar el consciente y el inconsciente, de conseguir que el espectador sea un ente activo o, por el contrario, un ente pasivo susceptible de ser manipulado, es lo que diferencia claramente la intencionalidad de uno y otro. Prácticamente todos los medios de comunicación inundan, por tierra, mar y aire, el universo consumista de nuestra sociedad. Un mundo poderosísimo que mueve ingentes cantidades de dinero. Y, por otro lado, nos encontramos al poeta visual en el más absoluto de los anonimatos, incapaz de rentabilizar mínimamente su trabajo y su esfuerzo, o, en el peor de los casos, viendo como otros se nutren sin complejos de sus ideas y creaciones con una finalidad comercial. Ver la obra de un poeta visual transformada en un anuncio publicitario, sin derecho a reclamación, es el pan nuestro de cada día.
El poeta visual, ajeno al mundo publicitario, ha estado durante muchos años tratando de hacer visibles sus producciones a través de las revistas y las ediciones marginales, artesanales o experimentales, fuera de los circuitos comerciales. El mail art fue otra fuente de difusión importante para estos creadores, que potenciaron el valor de la comunicación y la creación en estado puro, sobre cualquier valor comercial al uso. Y en esta fase estábamos, cuando apareció la era cibernética y todo se puso patas arriba. Una fuente increíble de difusión mundial apareció de pronto como un instrumento asequible para el poeta visual y, puesto que de creativos se trataba, evidentemente no desaprovecharon la ocasión.
En el 2009 el poema visual dejo de ser un elemento residual y se convirtió en un producto interesante para algunas editoriales especializadas. Se sucedieron las antologías, las exposiciones y las Jornadas de estudio sobre la materia. El 2010 promete ser un año clave para desterrar definitivamente la marginalidad en la que se ha movido durante décadas y el apropiacionismo esta situado estratégicamente en el panel de salida y en un lugar optimo.
Cesar Reglero es psicólogo, grafoanalista y artista multidisciplinar, ha escritos varios libros sobre arte, creatividad, grafología, poesía visual y apropiacionismo. Actualmente gestiona el Archivo-Museo de Mail Art y Poesía Visual de Tarragona.
CESAR REGLERO / NOTA BIO-BIBLIOGRAFICA DE POESIA VISUAL
César Reglero / Barcelona 1948 Su relación con la poesía visual “catalogada” data de 1988 fecha en la que inicia sus primeros contactos con el mail art. Años antes ya hacía poesía visual pero ignoraba que la estaba haciendo (1971-1987). Sin embargo su trayectoria en mail art le hace relacionarse inmediatamente con los más activos poetas visuales españoles, hasta el punto de que en 1998 crea el Museo de Mail Art y Poesía Visual del Taller del Sol en Tarragona.
Ha impartido talleres de Poesía Visual en la Escola d´ Art i Disseny de Tarragona durante la Semana Cultural; en los cursos de verano de la Universidad “Rovira i Virgili de Tarragona”; en el I.E.S. Aquis Celonis de Caldas de Reis (Pontevedra) : sobre el signo y la escritura creativa; Simposium de Arte Contemporáneo de Verbania (Italia):
Ha escrito artículos sobre poesía visual en El Diario De Tarragona (España); El Fantasma de la Glorieta (España/ Edición electrónica);Boek861 (Versión impresa y electrónica); Heterogénesis (Suecia) y sobre Mail Art en una docena de publicaciones.
Ha participado en varias exposiciones colectivas de Poesía Visual y Libros de Artista en España, Italia, Portugal, Argentina, Alemania, Brasil, Japón, etc. // En muestras de Mail Art ha realizado exposiciones colectivas con obra de poesía visual en más de un centenar de exposiciones. También tiene obra en el Museo de Poesía Visual de Valladolid y en el Centro de Poesía Visual de Peñarroya (Córdoba)
Ha realizado exposiciones individuales de poesía visual en la Comuna Baires de Milan, en el Recinto Firal de Monzón (beART) y en la Sala Unión Latina de Montevideo.
Tiene obras de poesía visual publicadas en una veintena de ediciones nacionales e internacionales y varias ediciones individuales de P.V. con Ediciones Corona del Sur y Labcrom di Sol.
Ha sido incluido en las últimas cinco antologías de poesia visual española
Ha formado parte del Jurado del Premio Internacional de Poesía Visual de Vespella de Gaia (Coincidiendo en dicho jurado con Joan Brossa)
EDICIONES DE CESAR REGLERO CON LA EDITORIAL CORONA DEL SUR
Antología Apropiacionista de la poesía visual española / Ed. Corona del Sur-2009
Serie: Poetas en su salsa/ El día que conocí a Francisco Peralto /Ed. Corona del Sur- 2008/ El día que conocí a Ibirico 2008 / El día que conocía a Clemente Padín (2009)
Serie entrevistas: La Interacción entre el net art y el arte correo. Libro basado en la entrevista realizado por César Reglero a Clemente Padín en varias etapas entre el 2001 y el 2003.
OTRAS EDICIONES
Grafología, arte y creatividad. Ediciones Lasra (2006) Serie:Poetas en su salsa/ El día que conocí a Ibirico / Ed. Corona del Sur-2008
Creatividad, arte y grafología / Ediciones Lasra / 2006
NOTAS
Desde 1998 dirige y gestiona el Museo de Mail Art y Poesía Visual de Tarragona donde se exponen obras originales de poesía visual de buena parte de los principales poetas visuales españoles actuales. Al mismo tiempo dirige la publicación electrónica de mail art y Poesía Visual “Boek861” (http://boek861.com). En esta publicación se han realizado varios debates sobre el tema y tiene editados poemas visuales-electrónicos de un centenar de poetas visuales españoles e internacionales. Actualmente el Boek861/Boek Visualse encuentra editando una antología electrónica actualizada al 2009 con carácter internacional. Existe también una edición en papel del Taller del Sol centrada en el mail art y el arte experimental que lleva publicados 145 números.
Alteridad no es que no tenga la connotación de solidaridad, sino de movimiento de curiosidad hacia lo extraño, lo no-propio, como hay quien piensa.Alteridad, al igual, que Solidaridad, es un concepto-conducta, no es como el de silla. Lo abstracto de lo que tiene en cuanto concepto, adquiere sentido únicamente cuando existe al tiempo la praxis de los actos. Lo adquiere no solo formalmente. También literalmente.
Pese a que el término ha albergado diferentes -y frecuentemente contradictorios- contenidos a lo largo del desarrollo filosófico, lo uso y lo concibo como incontrovertible (¡válganos Popper!) heterogeneidad del Yo y su Ser en relación al resto de realidades, sean pensadas o generadas por los actos. La admisión de esa heterogeneidad, aprendida con y del Otro, facilita, frente al de competencia, el principio de cooperación, que quizá sea la base imprescindible para la supervivencia de nuestra gregaria especie humana.
Lévinas –a quien la mayoría atribuye su uso actual- separó con precisión las fronteras entre términos cuyo uso era generalmente concomitante y hasta sinónimo: empatía y solidaridad. Intentó establecer que alteridad era otra cosa que, además, las incluía.
Concluyó –yo coincido- en que “lo existente, que da sentido a los entes en el mundo, produce una impersonalidad árida, neutra, que solo podría ser superada en el ser-para-el-otro, como momento ético de respeto a la alteridad. La relación del Yo respecto al Otro, en su dimensión de temporalidad y trascendencia, no es el hecho de un sujeto aislado y único, sino que adquiere la significación auténtica en la apertura hacia los otros, en una perspectiva diacrónica. Si podemos transmitir la existencia por la palabra, pero no podemos compartirla en el ámbito del saber, ¿qué tipo de comunicación con el ser puede hacernos salir de la soledad? Nunca más un ser para la muerte sino un ser para el Otro. El tiempo no debe ser una experiencia de duración, sino un dinamismo que nos lleva para otro lado diferente de las cosas que poseemos, un tiempo como relación con una alteridad inalcanzable y así producir una alteración del ritmo y sus giros”.
Como humanos, alteridad para sobrevivir, solo alcanzo a decir.
Bruno Jordán
Bruno Jordán es escritor, periodista, amén de otras muchas cosas (de la mayoría de ellas solo pretende ser).
Hablar de Miguel Delibes es muy fácil, entender al maestro un orgullo y tener la posibilidad de encontrarlo por Campo Grande (Valladolid) una realidad al alcance de cualquiera, hasta hace muy poco.
Como Castellano Leonesa, acercarme a la prosa de este escritor, fue obligado, y en mi adolescencia leí muchos de sus primeros libros, porque su lectura era irremediablemente programada en los institutos.
Al contrario de otros autores, desde el primero "La sombra del ciprés es alargada" 1948, el impacto emocional, visual, intelectual que recibí, fue brutal. La pulcritud de su castellano, la falta de retórica, la limpieza, grandeza y originalidad de un lenguaje puro, desarrollado desde la honestidad. Hizo que me enamorara sin complejos de la palabra de este maestro.
Más tarde leería; "Aún es de día" 1949. "El camino" 1950. "Las ratas" 1963. "Cinco horas con Mario" 1966. "El disputado voto del señor Cayo" 1978. Los santos inocentes" 1981. "Cartas de amor de un sexagenario voluptuoso" 1983. "Señora de rojo sobre fondo gris"... Y algunos más, pero estos son mis preferidos, mis indispensables. Todos me han hecho pasar momentos inolvidables y aprender, o intentarlo al menos, a utilizar el idioma de Cervantes, del que decía; que no necesitó más que recorrer cuarenta kilómetros para ser el más grande escritor de lengua castellana de todos lo tiempos, y añadía, no se necesita ir a ninguna parte para escrirbir.
El escribió de lo que conocía, de los suyos, de su tierra, de una tierra que cogía con sus manos, y hacía de este hecho una experiencia viva.
Os contaré un anécdota a modo de ejemplo de lo que es nuestro carácter, sobrio que a veces se confunde con antipático o distante.
Elisa Delibes fue mi profesora de literatura española; cuando me enteré me sentí nerviosa y esperaba que ella, la hija de mi admirado escritor, pudiera ofrecerme de su padre todo lo que yo anhelaba. Recuerdo que le insistía en que nos recomendara alguno de sus libros en concreto, que nos diera pistas sobre el proceso creativo, algo más... El estar delante de un ser tan cercano a él, para mí significaba una oportunidad. Deseaba que ella abordara al autor desde un punto de vista diferente, pero ella nada, empeñada en que nos ocupáramos de cualquiera menos de su padre.
Me irritaba tanta distancia, que ahora comprendo un poco mejor. Y valoro la discreción, la modestia y la honestidad de un hombre que siempre supo estar en su sitio, y que educó a sus hijos en esos valores.
Un hombre trabajador, un escritor, un contador...
Con la palabra exacta, sin aspavientos, dedicándole su vida y conocimiento a lo sencillo del existir.
. Begoña Leonardo : "Trabajadora de la palabra... Autónoma a ratos, madre a tiempo completo, poeta siempre y sin opción. Escribo para diferentes medios como freelance, y en formatos digitales, blogs, revistas literarias..."
El artista Banksy utiliza sus sprays para intervenir en paredes de medio mundo. El muro israelí de Cisjordania o el Museo Británico han sido blanco de sus certeros disparos. Cada uno de sus graffitis es creado ex profeso para la pared sobre la que es dibujado interviniendo en el paisaje urbano con un acerado mensaje hacia el eje del bien y del consumo. Paradójicamente su trabajo ha sido tan exitoso que algunas de sus obras se exhiben en las galerías de arte más prestigiosas y hace pocos meses el propietario de un edificio en Londres sobre el que Bansky había pintado un graffiti, lejos de denunciarlo sacó a subasta el muro elegido por el artista.
No conozco a Banksy, entre otras cosas porque se mantiene en el anonimato, así que desconozco si estas situaciones le sobrepasan, le incomodan o se regocija por el eco que le proporcionan, pero intento situarlo en el marco de otros artistas intervencionistas como los retratados en el magnífico libro NO-LOGO y me pregunto por el resorte que pone en conexión el tren de la creación con las vías del reconocimiento.
La historia del arte y de la literatura está llena de vías muertas. La lista de escritores ágrafos que inventaría Vila Matas en su Bartleby y compañía es considerable. Escritores maldecidos, más que malditos, que no resuelven sus mecanismos creativos y tejen hacia dentro. El caso de Nannetti Oreste Fernando es el de una de esas perlas negras. Nacido en Roma en 1927 pasó los 67 años de su existencia en diferentes instituciones para enfermos mentales, entre los cuales 30 años en el manicomio de Volterra. Durante ese tiempo no recibió ninguna visita, pero escribió cartas dirigidas a familiares que nunca habían existido. Sin embargo, el testimonio más impresionante lo dejó sobre las paredes del patio interior del pabellón “Ferri” de Volterra, un grafitti de 180 metros por dos de alto escrito día a día de su internamiento con la hebilla de su camisa de fuerzas. Todavía vivo el autor, el fotógrafo Pier Nello Manoni realizó un reportaje del patio que actualmente se expone en el baptisterio de Volterra. El texto en relieve se encuentra en franco deterioro, cosa que dificulta su lectura, pero el trazo de sus grabados hendido en la piedra habla por sí solo. Recuerda a las fallas tectónicas que separan continentes, como si la cordura tuviera grietas, fosas abisales por las que trepara el vértigo amenazando con alcanzarnos. Actualmente esta locura es reconocida como una de las más raras e importantes representaciones de ‘art bru’ y sus cartas fueron publicadas después de su muerte.
Se me ocurre que tal vez NOF habría sido más feliz si alguien las hubiera contestado.
